ARCOmadrid 2020. Feb 26, 2020 - Mar 1, 2020

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ARCOmadrid 2020

Sabrina Amrani se complace en anunciar la participación de la galería en ARCOmadrid 2020, presentando obras de calidad de museo de Manal AlDowayan, Joël Andrianomearisoa, Gabriela Bettini, Alexandra Karakashian, Waqas Khan, Timothy Hyunsoo Lee, Mónica de Miranda, Jónica Oh y Dagoberto Rodríguez en el sector de las Galerías de la feria.

 

La presentación en el stand comienza con un trabajo de la serie más icónica de Manal AlDowayan', "Suspended Together", una instalación-escultura en porcelana de 10 palomas que picotean el suelo y que llevan estampado el permiso de viaje emitido por parientes masculinos que permite a las mujeres sauditas viajar.

 

La presentación continúa con el trabajo "Les Horizons Complexes (de l’Amour et d’une romance)", una serie de coloridas piezas textiles de Joël Andrianomearisoa. La galería también muestra los últimos trabajos de Gabriela Bettini, "El Proceso", seguidos de varios trabajos de Babak Golkar pertenecientes a la serie "Time Capsules 2016-2116" y también a "The Elephant (an intermission)". La artista emergente sudafricana Alexandra Karakashian está representada por algunas de sus últimas y oscuras obras de arte.

La presentación incluye el último dibujo intrincado a gran escala del artista paquistaní Waqas Khan y acuarelas del artista Timothy Hyunsoo Lee que consisten en una miríada de marcas similares a células que varían en tamaño, color y saturación. La presentación continúa con las fotografías de Mónica de Miranda de la serie "Panorama", explorando el estudio geográfico, social e histórico de Luanda. La galería también presentará en ARCOmadrid 2020 una escultura mínima suspendida del artista coreano Jong Oh. La presentación se completa con dos acuarelas a gran escala del artista Dagoberto Rodríguez (anteriormente parte del colectivo cubano Los Carpinteros).

 

Para cualquier consulta sobre nuestra participación en ARCOmadrid 2020, contáctenos en: hello@sabrinaamrani.com

 

Para obtener el comunicado de prensa completo e imágenes en alta resolución, haga clic aquí.

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Babak Golkar

Babak Golkar es un artista canadiense, que vive y trabaja en Vancouver, Canadá. Nació en Berkeley, Estados Unidos, 1977.

 

Pasó la mayor parte de sus años de formación en Teherán, hasta 1996, cuando se mudó a Canadá. Se graduó en Bellas Artes en University of British Columbia en 2006, y ha expuesto en sedes internacionales desde su graduación. Algunas de sus exposiciones y presentaciones individuales incluyen All The Blind Men. Servais Family Collection, Bruselas, Bélgica (2019), The Exchange Project (La Collection Imaginaire), INCA, Seattle, E.E.U.U. (2016); Of Labour, Of Dirt, Sazmanab, Tehrán, Irán (2014); Time To Let Go…, Vancouver Art Gallery: Offsite, Vancouver, Canadá (2014); Dialectic of Failure, West Vancouver Museum, West Vancouver, Canadá (2013); Parergon, Sharjah Contemporary Art Museum, Sharjah, E.A.U. (2012) y Mechanisms of Distortion, Victoria and Albert Museum, London, Reino Unido (2012).


Más información acerca de Babak Golkar

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Babak Golkar

The Elephant (in the dark), 2019

Porcelana

54 × 37 × 20 cm.

21 3/10 × 14 3/5 × 7 9/10 in.

Edición 1/10

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Para el proyecto " Time Capsules 2016-2116", me abrí un paréntesis de aproximadamente 200 años en la investigación de materiales y sus procesos; experiencias y condiciones de los últimos cien años y cómo nos han afectado o nos seguirán afectando.


Babak Golkar.

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Babak Golkar

L’Origine du Monde, 2016-2116

hydrostone preparado y objeto oculto.

23 3/5 × 13 4/5 × 41 7/10 in.

60 × 35 × 106 cm.

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Babak Golkar

Neo-futurism, 2016-2116

ABS y objeto oculto.

29 9/10 × 8 3/10 × 8 3/10 in.

76 × 21 × 21 cm.

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Babak Golkar

Negotiating the Space for Possible Coexistences No. 8, 2016

Alfombra persa, plexiglass, madera y pintura lacada

22 × 20 × 40 in.

55.9 × 50.8 × 101.6 cm.

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Babak Golkar

Long Live Max Yasgur, 2016-2116

Espuma acústica, terracotta, plinto, yeso y objeto oculto.

58 3/10 × 15 × 15 in.

148 × 38 × 38 cm.

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Waqas Khan

Waqas Khan es un artista paquistaní, que vive y trabaja en Lahore, Pakistán. Nació en Akhtarabad, Pakistán, 1982.

 

Los dibujos minimalistas de gran formato de Waqas Khan remiten a redes y extensiones celestiales. El punto decisivo de su obra es la contemplación a través del papel.

 

Khan emplea pequeñas líneas y minúsculos puntos para crear grandes entramados. En ellos se estiran y enredan las partículas, esencialmente en sincronía las unas con la otras, en una unión indiferente a cuán alejadas estén. La idea de unión y visibilidad de lo único como una magna totalidad es lo que en parte el artista bebe de su inclinación por la literatura e interés por la vida de los poetas sufíes. La obra de Khan evoca también una forma de escritura que el artista aprecia como un discurso entre él mismo y el espectador, un diálogo organizado en torno a la sintaxis de un monólogo.


Más información acerca de Waqas Khan

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Waqas Khan

The Library Has No Letters, 2019

tinta y acrílico sobre lienzo.

91 7/10 in diámetro

233 cm diámetro

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Las obras meditativas de Khan se crean por el contacto entre su mano y el papel wasli; Las emociones de Khan impulsan su mano, y un simple cambio en su respiración o la tensión con la que sostiene el bolígrafo transformará por completo el golpe de su instrumento.


Diana Campbell Betancourt. The Untitled Show, 2014.

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Waqas Khan

Alphabets II, 2019

Tinta sobre papel wasli.

19 7/10 × 29 9/10 in.

50 × 76 cm.

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Waqas Khan

Alphabets III, 2019

Tinta sobre papel wasli.

19 7/10 × 29 9/10 in.

50 × 76 cm.

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Manal AlDowayan

Manal AlDowayan es una artista Saudí, que vive y trabaja en Dubai (EAU) y Dahran (Arabia Saudita). Nacida en Dahran (Arabia Saudita) en 1973.

 

Abrazando diversos medios, el trabajo de Manal AlDowayan abarca la fotografía en blanco y negro, la escultura, vídeo, sonido, neón e instalaciones participativas a gran escala. Su práctica artística gira en torno a temas como el olvido activo, los archivos y la memoria colectiva, con un especial énfasis en el estado de las mujeres sauditas y su representación.

 

Ha documentado grupos sociales como los hombres y mujeres del petróleo en Arabia Saudita en su obra If I Forget You Don’t Forget Me y ha abordado el impacto de los medios de comunicación de masas en la propagación de borrado intencional de identidades en su proyecto Crash, destacando la no identificación de profesores de Arabia Saudita que mueren en accidentes de coche en su país natal. Sus proyectos participativos han atraído a cientos de mujeres a utilizar el arte como una nueva plataforma para hacer frente a la injusticia social como en los proyectos Tree of Guardians, Esmi-My Name, y Suspended Together.


Más información acerca de Manal AlDowayan



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Manal AlDowayan

Suspended together (Standing Dove), 2008

Porcelana impresa

7 1/10 x 7 9/10 x 12 3/5 in.

18 x 20 x 32 cm.

Ediciones 14 de 40

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Suspended Together da la impresión de movimiento y libertad. Sin embargo, una mirada más cercana a la paloma permite al espectador darse cuenta de que en realidad está congelada y suspendida sin esperanza de vuelo. Una mirada aún más cercana muestra que la paloma lleva impreso en su cuerpo un documento, el permiso que permite viajar a una mujer saudí. A pesar de sus circunstancias, todas las mujeres sauditas deben tener este documento, emitido por su tutor masculino designado.

 

La artista convocó a un grupo de mujeres líderes de Arabia Saudí con el objetivo de acceder a sus documentos de permiso para su inclusión en esta obra de arte. "Suspended Together" contiene los documentos de científicas, educadoras, periodistas, ingenieras, artistas y líderes galardonadas con logros innovadores que vertieron a su sociedad.

La instalación " Suspended Together " representa palomas que [...] llevan documentos de [...] permiso en sus cuerpos de porcelana blanca; Esto permite a las mujeres sauditas viajar bajo el sistema de tutela masculina del país. Tras ocho años desde que se hizo esta pieza, la ley ha sido eliminada. "¡Mi arte es histórico ahora!" Dice Manal AlDowayan con orgullo.


Extracto de una entrevista a Manal AlDowayan por Dalia Dawood en el Financial Times. 5 de diciembre, 2019.

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Jong Oh

La práctica artística de Jong Oh es muy particular ya que no usa un estudio sino que crea esculturas mínimas in situ que responden a una situación espacial dada. Respondiendo a la configuración matizada de cada sitio, el artista construye estructuras espaciales al suspender e interconectar una selección limitada de materiales: cuerdas, cadenas, hilo de pescar, metacrilato, varillas de madera y metal e hilos pintados. Los elementos de sus obras parecen flotar, y dependiendo de la relación espacial del espectador con esta, los elementos aparecen como conectados y cruzados, o bien como absolutamente independientes, lo que sugiere dimensiones adicionales un espacio tridimensional simple.


Oh apela al espectador a cuestionar su propia percepción y la forma en que tiene que relacionarse con el espacio que lo rodea, ofreciendo un espacio para la meditación y la contemplación ante el ajetreo y el bullicio de la vida cotidiana contemporánea: un sutil y refinado haiku visual sobre la universalidad y el sonido del espacio.


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Jong Oh

Line Sculpture(column) #9, 2020

Varilla de metal, cadena, hilo de nylon.

76 3/5 × 11 4/5 × 11 4/5 in.

194.5 × 30 × 30 cm.

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Jong Oh

Line Sculpture (cuboid) #26, 2018

Hilo, varilla de metal, cadena, hilo de nylon.

43 3/10 × 27 3/5 × 15 7/10 in.

110 × 70 × 40 cm.

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Mónica de Miranda

Mónica de Miranda es artista e investigadora. Nacida en Porto (Portugal) de padres angoleños, ella se describe a sí misma como una artista trabajando en la diáspora. Su trabajo indaga en los ámbitos de la arqueología urbana y las geografías personales.


Mónica se graduó en una Licenciatura en Artes Visuales en el Camberwell College of Arts, realizó un Máster en Arte y Educación en el Institute of Education London y obtuvo el Doctorado en Artes Visuales en la University of Middlesex. Mónica además es una de las fundadoras del proyecto de residencias para artistas Triangle Network en Portugal, y creadora del proyecto Hangar Center for Artistic Research en Lisboa.


En 2016 fue nominada al Premio de Fotografía Novo Banco, y expuso como finalista del mismo en el Museu Coleção Berado, Lisboa. También fue nominada ese mismo año al Prix Pictet Photo Award.


Más información acerca de Mónica de Miranda

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Mónica de Miranda

Springboard, 2017

Impresión sobre papel fotográfico

75 × 50 cm.

Edición 5/6

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Los trabajos fotográficos de Mónica de Miranda se centran en la relación entre el ser humano y la tierra, no de una manera en que la tierra podría pertenecer a los personajes, sino en la forma en que los personajes pertenecen a la tierra.


Katherine Sirois. The Land of no Menacholy. Revista WRC, 2018.

La naturaleza fragmentada y fragmentaria de las visiones panorámicas de Miranda: paisajes de arquitectura y naturaleza habitados, afectivos y espacio temporales, resisten el momento despolitizado en el que se pierden significados. Los significados son siempre contingentes y posicionales, siempre cambiantes y relacionales, pero, en lo que respecta al ser y al devenir, también son escenarios de luchas de reconocimiento y resistencia.


Ana Balona de Oliveira.

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Mónica de Miranda

Swimming pool, 2017

Impresión sobre papel fotográfico

27 3/5 × 41 3/10 in.

70 × 105 cm.

Edición 5/6

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Timothy Hyunsoo Lee

Las obras de Hyunsoo Lee están inspiradas en temas de estigma social, identidad, trastornos psicológicos y, más recientemente, de espiritualidad y religión. Explora estos temas a través de un vector novedoso: pinturas y esculturas que consisten principalmente en marcas similares a celdas que varían en tamaño, color y saturación. Sus obras son vistas como etéreas y delicadas, pero estas composiciones extremadamente intensivas en mano de obra, marcadas por repeticiones obsesivas, traicionan rápidamente esa percepción inicial. Al explorar su propia historia de trastornos de ansiedad a través de su arte, Timothy confronta y manipula sus tics y compulsiones y los canaliza en sus obras. Al responder a su ansiedad con el arte, ha desarrollado un novedoso sistema de mapeo mental - "una cartografía de su psicopatología" - para estudiar una parte de sí mismo que inicialmente lo llevó a estudiar biología del desarrollo y neurociencia en la universidad.

 

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Timothy Hyunsoo Lee

Traces II, 2019

Acuarela sobre papel.

95 × 105 cm.

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La serie ‘Traces’ comenzó en 2014, y fue el primer cuerpo de trabajo que Timothy Hyunsoo Lee creó cuando dejó el laboratorio para ser artista en el estudio. Llamó a estas obras ‘Traces’ porque sugiere su interés en investigar una parte de su identidad que sea continua y residual. La representación de cada "célula" subyace a una investigación formal de su ansiedad, tanto como coreano como en su condición de individuo con ansiedad crónica y pesadillas. El yo ansioso de Timothy le permite sentarse durante horas, incluso noches, pintando meticulosamente miles de puntos sin ninguna previsión sobre cómo resultará la composición: sus obras están dictadas por reacciones viscerales en las que el artista canaliza sus compulsiones y tics en un lenguaje visual. Por lo tanto, rastrea las psicopatologías a través de un método novedoso de "mapeo mental" con la esperanza de comprender mejor cómo piensa y ve el mundo.

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Timothy Hyunsoo Lee

Heavy Clouds, 2018 

Acuarela sobre papel.

44 1/2 × 75 3/5 in.

113 × 192 cm.

Sold
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Timothy Hyunsoo Lee

Gosa (Comet boy as an offering), 2019

Seda coreana, relleno de algodón sintético, barniz de poliuretano.

Dimensiones variables.


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Gabriela Bettini

Los intereses actuales de Gabriela Bettini se enmarcan en investigar las primeras colonizaciones culturales en relación con sus herencias en el presente. A partir de una revisión específica de la historia de la pintura y la representación del paisaje -con la que observa cómo este medio se ha empleado para fortalecer las ideas sobre las que se ha construido el pensamiento hegemónico occidental- analiza la combinación de la actual crisis medioambiental con un modelo extractivista que sitúa a las mujeres como paradigma de la violencia múltiple del cambio climático.


En su obra, se ha acercado a experiencias de vida en los márgenes de la Historia que evidencian el vacío resultante del intento de conciliar los recuerdos, las políticas de memoria y las narraciones oficiales. Gabriela Bettini se ha aproximado a lugares intermediales para subrayar la manera en que determinadas vivencias y sus rastros quedan inscritos en ellos y se ha interesado por elementos que simbolizan el recorrido entre realidades, cuyo carácter intersticial ha interpretado como metáfora del estado de liminalidad, apertura y ambigüedad propias de quienes los transitan.


Más información acerca de Gabriela Bettini

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Gabriela Bettini

El Proceso- mural 1, 2020

Óleo sobre lino.

61 2/5 × 63 4/5 in.

156 × 162 cm.

Sold
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Gabriela Bettini

El Proceso- mural 4, 2020

Óleo sobre lino.

31 9/10 × 46 1/2 in.

81 × 118 cm.

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Joël Andrianomearisoa

Los antecedentes de Joël Andrianomearisoa como arquitecto, sus orígenes malgaches y su profundo interés por las artes, definen una forma de trabajo muy particular, que juega principalmente con espacios y sentimientos. La inteligencia emotiva y la sensualidad de sus obras de arte lo convirtieron en el candidato perfecto para representar a su país en la Bienal de Venecia, ganar el Premio Audemars Piget o ser parte de colecciones públicas y museos de todo el mundo. Las emociones son el pincel principal de Andrianomearisoa, junto con las telas, los papeles de seda o cualquier otra materia prima que utilice en el proceso. Y así sucesivamente, el artista crea laberintos, paisajes, cartografías de deseos o espacios también invadidos por una poesía completa como Inventarios del presente o del mañana (Inventories of the Present o Tomorrow, Tomorrow)…


Más información acerca de Joël Andrianomearisoa

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Joël Andrianomearisoa

Les Horizons Complexes (de l’Amour et d’une romance) III, 2018

Textil.

74 4/5 × 51 1/5 in.

190 × 130 cm.

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Joël Andrianomearisoa

Les Horizons Complexes (de l’Amour et d’une romance) XII, 2018

Textil.

74 4/5 × 51 1/5 in.

190 × 130 cm.

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Joël Andrianomearisoa

Labyrinth of the present I, 2019

Textil.

19 7/10 × 15 7/10 in.

50 × 40 cm.

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Andrianomearisoa nos coloca en un espacio y una situación que son impredecibles, donde cualquier esfuerzo que podamos hacer para poseer el trabajo, dotarlo de significado como un fin en sí mismo, se ve constantemente interrumpido.


Octavio Zaya. The Space in Between, 2018.

Joël Andrianomearisoa

El trabajo de Andrianomearisoa nos permite comprender que si aceptamos la complejidad y la belleza de nuestro reluciente ser de sombras, si tenemos el coraje de desarrollar una relación con todo lo que parece desagradable dentro de nosotros, podemos aprender a saborear las conversaciones que resultan de la aceptación.


Neelika Jayawardane, 2016.

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Joël Andrianomearisoa

Dead Tree of My New Life (wood), 2017

Madera.

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Alexandra Karakashian

Las obras de arte de Karakashian provienen de su historia personal y familiar y reflexionan sobre temas actuales de exilio, migración y condiciones de refugiados. El proceso y la materialidad son clave para su práctica. Empleando aceite de motor y sal usados ​​como medio para pintar, se involucra en una discusión ecológica, la inestabilidad amenazante y el sutil colapso; y la incautación poco ética de los recursos naturales que disminuyen rápidamente, particularmente en el continente africano rico en recursos. Además, investiga las nociones de duelo, tanto de naturaleza individual como colectiva, y el lamento de la pérdida de tierras y de aquellos que se han quedado sin hogar.


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Alexandra Karakashian

Parting I, 2019

Óleo sobre papel.

78 7/10 × 40 9/10 in.

200 × 104 cm.

Sold
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Alexandra Karakashian

Parting II, 2019

Óleo sobre papel.

78 7/10 × 40 9/10 in.

200 × 104 cm.

Sold
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Alexandra Karakashian

Parting III, 2019

Óleo sobre papel.

78 7/10 × 40 9/10 in.

200 × 104 cm.

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Alexandra Karakashian

Undying XLVIII, 2018

Óleo sobre papel.

39 × 27 3/5 in.

99 × 70 cm.

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De alguna forma, los materiales utilizados por la artista (aceite de motor y sal usados) tienen un significado que va más allá de la simple contradicción entre materiales pobres y materiales nobles tan comunes en la historia de la pintura. Su valor es simbólico y está profundamente arraigado en los problemas actuales entre el Norte y el Sur, como la degradación ambiental, la mercantilización y los elementos esenciales para la vida. Son materiales han sido una fuente de conflicto a lo largo de la historia.


Bruno Leitão

Estar desamparado no es estar sin hogar, ni puede acomodarse fácilmente a los que han perdido su tierra en esa división familiar de la vida social en esferas públicas y privadas.


The Location of Culture, Homi K. Bhabha.

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Alexandra Karakashian

Undying XL, 2018

Óleo sobre papel.

39 × 27 3/5 in.

99 × 70 cm.

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Alexandra Karakashian

Adrift (collapse), 2020

Aceite y textil.

118 1/10 × 70 9/10 in

300 × 180 cm

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La pintura es una herramienta que tiene la capacidad de fomentar una relación intuitiva entre el espectador y el trabajo. Esta habilidad es especialmente evidente aquí. Las obras de Karakashian son un viaje que explora conceptos como reminiscencia, exilio y éxodo.


Bruno Leitão. 2019.

Dagoberto Rodríguez

La obra de Dagoberto Rodríguez ha sido expuesta en museos e instituciones alrededor de todo el mundo y forma parte de colecciones como el MOMA, Whitney Museum of American Art, Guggenheim New York, Centre Georges Pompidou, Tate Modern y el Museo Centro de Arte Reina Sofia, entre muchas otras.

 

Su trabajo combina arquitectura, diseño y escultura. Dagoberto Rodríguez emplea el humor y la ironía para reflexionar sobre temas fundamentales en el arte, política y sociedad. Las acuarelas son una parte importante en su proceso creativo ya que es una forma de registrar y revisar sus ideas. A menudo, estas obras reflejan una fantasía de una posible situación conceptual.


Más información acerca de Dagoberto Rodríguez

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Dagoberto Rodríguez

Corredor 19, 2020

Acuarela sobre papel.

 78 7/10 × 102 2/5 in.

200 × 260 cm.

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El túnel es en sí mismo una polifonía de significados, una polisemia que simboliza todos los cruces oscuros, ansiosos, dolorosos o expectativas que pueden llevar a otra vida. Ejecutadas meticulosamente, las acuarelas son de escala monumental. Este medio requiere dejar ir mientras se logra un equilibrio entre el control y la libertad del gesto. La acuarela es el medio de elección para la ilustración de texto, de manuscritos egipcios o medievales. Inmersivos, estos dibujos llaman la atención, como si uno pudiera pasar al otro lado del espejo o dejarse atrapar. Solo se vuelven aún más creíbles gracias a los diez efectos ilusionistas que alientan esta transición a otro mundo. Dagoberto Rodríguez crea narraciones ultra contemporáneas y urbanas de un mundo mecánico, frío y deshumanizado bañado en una luz eléctrica... Una especie de mundo exterior, cerrado en sí mismo, enigmático, sin puntos de referencia y del que no sabemos si es onírico, distópico o concreto.


Extracted from the text Trough the Tunnel. Jérôme Sans.

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Dagoberto Rodríguez

Joya Roja, 2019

Acuarela sobre papel.

51 1/5 x 51 1/5 in.

130 x 130 cm.

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Dagoberto Rodríguez

Rubi y Concreto, 2019

Acuarela sobre papel.

51 1/5 × 51 1/5 in.

130 × 130 cm.

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Cada vez que produzco una acuarela en el estudio, intento representar una idea. Una acuarela es una invitación a colaborar. No solo eso, sino que es la base para comenzar a construir una nueva idea. La primera semilla de un árbol que luego crece. También son un archivo temático. (...) Fabricar cosas uno mismo es una herramienta narrativa extremadamente poderosa. No solo eso, sino que es una lección de supervivencia. Es como si te encontraras en una isla y necesitaras desarrollar un nuevo lenguaje o sistema de signos para ti mismo, esa es una visión que se ha quedado conmigo.


Dagoberto Rodríguez, 2019.



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Dagoberto Rodríguez

No Estrella Dorada, 2019

Acuarela sobre papel.

51 1/5 × 51 1/5 in.

130 × 130 cm.


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Dagoberto Rodríguez

No Estrella Gris, 2019

Acuarela sobre papel.

51 1/5 × 51 1/5 in.

130 × 130 cm.

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