Ver versus Ver 2.21 Oct - 18 Nov 2020

Ver versus ver 2

Sabrina Amrani se complace en presentar la exposición Ver versus ver 2, la primera muestra en la galería que es únicamente accesible online, a través de un online viewing room que incluye un recorrido 3D de la exposición real. Ver versus ver 2 es la segunda iteración de una muestra colectiva que invita a reflexionar sobre lo que está más allá de lo visible, que incluye obras de :mentalKLINIK, Joël Andrianomearisoa, Amina Benbouchta, Gabriela Bettini, Zoulikha Bouabdellah, Alexandra Karakashian, Waqas Khan, Babak Golkar, Nicène Kossentini, Timothy Hyunsoo Lee, Mónica de Miranda y Paloma Polo.

 

Decía Marcel Duchamp que estaba interesado en las ideas, y no en los productos visuales. En este mismo sentido, desdeñaba también los pensamientos cuando estos dependían de palabras. Pero antes y después de Duchamp se han llenado muchas páginas, precisamente de palabras, para hablar del pensamiento abstracto, de cómo funcionan las ideas, del condicionamiento del lenguaje o del trasfondo de los conceptos que encierran las palabras. Lo mismo ocurre con las imágenes, que aún valiendo mil palabras como reza el dicho, también se presentan contenidas en una realidad que nos puede decir cosas muy diferentes según el momento, la persona o el lugar. Si no sabemos ver, quizás estemos condenados a que el mundo nos engañe. No podemos fiarnos siquiera de lo que vemos como verdades categóricas sin plantearnos qué es lo que estamos viendo. Sin reflexionar, sin ver más allá. Saber ver y cuestionar es una habilidad esencial en la vida y en el arte. Porque lo mismo sucede con el arte: una obra no es una imagen en sí, tampoco un conjunto de técnicas elaboradas con más o menos talento, sino todo lo que hay detrás.

 

Un contexto, un artista y su trayectoria, un concepto, toda una historia que puede o no ser contada. Por eso Ver versus ver. Hemos querido emplear una sola palabra con un significado que tiene varias posibilidades. Una misma forma que implica lecturas más profundas. Hoy no nos interesa la diferencia entre mirar y ver, sino entre un ver (y quizás creer ver) y tomarse el momento de reflexión para llegar hasta un significado más profundo. Porque ver arte implica una reflexión. Y generalmente, genera más preguntas que respuestas. Pero son las preguntas las que inspiran nuestra curiosidad, las que llevan a experimentar, las que generan conversación y también entendimiento. En nuestra opinión, son las preguntas y no las respuestas, las que aceleran la curva del aprendizaje.

 

De modo que ante un mismo acto de profundidad distinta, podemos ver también distintas obras. Parafraseando de nuevo a Duchamp, las obras podrían ser un producto del espectador y no del artista. ¿O son producto de una historia, una trayectoria o un relato que el artista trata de comunicar? Y en este último caso, ¿podemos evitar que nuestra experiencia personal y nuestros sentimientos, nuestra percepción en general, no cambien lo que el artista quería contar? Estamos convencidos de que éstas y otras preguntas forman parte de la magia del arte (transportables a multitud de conversaciones) y dejamos la puerta abierta a que cada cual se haga las suyas propias.

Nicène Kossentini

Nicène Kossentini es una artista tunecina, que vive y trabaja en Túnez y París. Nació en Túnez, 1976.


Nicène Kossentini se formó como artista en la Academia de Bellas Artes de Túnez, en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo y en la Universidad de la Sorbona en París. Durante la primera edición de los International Digital Media en Francia, fue residente en el Estudio Nacional de Arte Contemporáneo Le Fresnoy y en l'École de l'Image Les Gobelins. En la actualidad, es profesora de cine experimental en la Universidad de Túnez. Las obras de Nicène se han expuesto en todo el mundo en galerías de arte, ferias e instituciones como Art Dubai, Marrakech Art Fair, Institut du Monde Arabe (Francia), Círculo de Bellas Artes (España), Museo de Boulogne Billancourt (Francia), Museo Nacional de Cartago (Túnez), Museo de Arte Contemporáneo de Argel (Argelia), Bienal de Bamako, Bienal de Alejandría (Túnez) y la Bienal de Thessaloniki (Grecia).


Su obra está presente en destacadas colecciones públicas como el British Museum (Inglaterra), la Fundación Kamel Lazaar o el Museo de Arte Moderno (Túnez).

infoImg 1400 x 932
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

They abused her by saying ..., 2012.

12 Impresiones de bellas artes en diasec.

155 x 325 cm.

Solicitar información sobre esta obra
Con "They Abused Her By Saying", Kossentini confronta al espectador con el status de la sociedad tunecina representada en el cuerpo de una joven tunecina. Este status, por mucho que se reconozca, no es de tal naturaleza que haga soñar a la gente. En una serie de fotografías en B / N, la artista nos presenta la visión de una joven vestida con un vestido blanco chocando con todo su cuerpo contra las paredes formadas aquí por los márgenes de la fotografía. Prisionera dentro de un cuerpo, un cuerpo prisionero del mundo que lo rodea, respirando el aire de una celda que no se puede abrir y cuyas rejas tienen el poder de constreñir, domesticar, humillar, desterrar, un cuerpo que se derrumba en el suelo, exhausto, falta de recursos. El deseo de ser una mujer realizada y libre, dueña de su cuerpo, de sus deseos. Más allá del simbolismo bastante evidente (pero valiente bajo la dictadura), el efecto de blancura y saturación conduce a una virtual desaparición de la imagen, a una virtual imposibilidad de representar donde solo unos pocos signos emergen de la nada.


Paul Ardenne

Jöel Andrianomearisoa

Joël Andrianomearisoa es un artista de Madagascar, que trabaja y vive en París, Francia y en Antananarivo, Madagascar. Nacido en Antananarivo, 1977.


Andrianomearisoa siempre bordea los límites. No plantea el acercamiento a su obra de manera directa, sino que la sitúa en los límites de los deseos de quien quiera que la descubra. Su obra radica en una pura cuestión de actitud, de posicionamiento ante la obra. Andrianomearisoa escucha el pulso de la vida con más impulso de lo que ese pulso le ofrece, y encuentra una forma de estar presente, "dans le nu de la vie", en la desnudez del mundo.


El espacio urbano es también uno de sus intereses. Los ruidos, olores, imágenes, luces, y en definitiva el incesante movimiento que genera la vida de la ciudad componen su universo sin por ello condenar al artista a un lugar específico. Sus imágenes trasladan al espectador a lugares a los que ni siquiera el artista imagina llegar. “Necesito sorprenderme por las imágenes. La situación tiene que ser completamente asombrosa. No me considero fotógrafo, soy alguien que construye imágenes”, asegura.


El artista necesita una estructura básica para componer su obra, y es entonces cuando comienza el experimento, la manipulación que define el proyecto. “La obra surge a través de diversas manipulaciones que me conducen al resultado final. Cuando realizo una instalación no alcanzo a imaginar su irrevocabilidad. Conozco cada elemento que la compone, pero en el momento en el que los organizo esos elementos, descubro algo más. Y es ahí cuando la pieza cobra sentido”, asegura Andrianomearisoa.


Su capacidad lírica radica en su capacidad para apoderarse de este momento decisivo en el que no se distingue el comienzo del fin.

infoImg 1182 x 787
1182 / Ver imagen
1182 / Ver imagen
1182 / Ver imagen

Complex horizons II, 2016

Textil estampado y madera.

130 x 205 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1182 x 787
1182 / Ver imagen
1182 / Ver imagen
1182 / Ver imagen

Last year in Antananarivo, 2016.

Impresión por inyección de tinta en papel Hahnemühle.

28 x 326 cm. Ed. 3/3

Solicitar información sobre esta obra
Me gusta la flexibilidad de la tela, que permite todas las combinaciones a través de atar, tejer, cortar, combinar. Lleva un lenguaje que puede llegar muy lejos


Joël Andrianomearisoa

Alexandra Karakashian

Alexandra Karakashian (n. 1988, Johannesburgo) es una artista sudafricana que vive en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.

Su trabajo deriva de su historia personal y familiar y reflexiona sobre los problemas actuales de exilio, migración y el estatus de refugiado. El proceso y la materialidad son claves para su práctica. Empleando aceite de motor usado y sal como medio para pintar, se involucra en discusiones ecológicas, la inestabilidad amenazadora y el colapso sutil; y el aprovechamiento poco ético de los rápidamente menguantes recursos naturales, en particular en el continente africano rico en recursos. Además, investiga las nociones de duelo, tanto de carácter individual como colectivo, y la lamentación de la pérdida de tierras y de aquellos que han sido "desahuciados".

Su obra forma parte de colecciones privadas y públicas como la Galería Nacional de Sudáfrica Iziko en Sudáfrica, la Colección Spier en Sudáfrica, la Colección Darvesh en los Emiratos Árabes Unidos, la colección Royal Portfolio en Sudáfrica y la Colección Luciano Benetton, en Italia.


infoImg 1400 x 1308
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Undying XLVIII, 2018.

Óleo y aceite de motor usado sobre papel encolado.

99 x 70 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1400 x 1308
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Undying XL, 2018.

Óleo y aceite de motor usado sobre papel encolado.

99 x 70 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Paloma Polo

Paloma Polo es una artista española e investigadora independiente establecida en Utrecht. Entre 2007 y 2009 asistió al programa de residencia de arte De Ateliers (Amsterdam) y en 2010 al programa de residencia de Gasworks (Londres). En 2013 fue contratada como investigadora visitante en el Centro de Estudios Internacionales de la Universidad de Filipinas Diliman, Manila. Sus investigaciones posteriores fueron organizadas por la institución de investigación y creación Les Laboratoires D’Aubervilliers (París). Polo es una de las fuerzas impulsoras de la organización Moving Artists International y miembro de International League of Peoples’ Struggles (ILPS).


La labor artística que Polo ha desarrollado resulta de su continua inmersión en zonas de agitación, malestar y lucha, ya sea explorando acontecimientos pasados o investigando conflictos en curso. Sus investigaciones recientes germinaron del lado y la agencia de comunidades en lucha, y desde el campo de batalla de procesos revolucionarios que aspiran a emanciparse de políticas sostenidas en la extracción, la explotación, la discriminación y la destrucción de la vida.


La propuesta de Paloma Polo es idear y poner en escena relatos e historias que capturen el surgimiento del pensamiento político en las personas, explorando así particulares configuraciones sociales como condiciones previas o potencialidades para el cambio político. Esta aproximación exige, desde su perspectiva, prestar atención a imaginarios y concepciones del mundo que se suprimen violentamente en la creación y normalización de categorías políticas, incluso en aquellas que son emancipadoras.


Ha expuesto su obra individualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro de Arte Dos de Mayo- CA2M (Madrid), Arts Catalyst (Londres), Galería Kurimanzutto (Ciudad de México), Casa Barragán (Ciudad de México), Montehermoso Cultural Center (Vitoria) y SKOR Foundation for Art and Public Domain (Amsterdam) entre otras instituciones y galerías. Su trabajo ha sido presentado en la Exposición Internacional de la 55a Bienal de Venecia, Turner Contemporary (Kent), Museo de Arte Carrillo Gil (México), High Line Art (Nueva York), Le Commun. Bâtiment d'art Contemporain (Ginebra), Museo Stedelijk Hertogenbosch (Den Bosch), Museo Regional Celje, (Eslovenia), Museo Artium (Vitoria) o CGAC, Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela) entre otros.


Sus obras se encuentran en grandes colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro de Arte Dos de Mayo- CA2M (Madrid), Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela), Centro Botín y Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León).

Las desgracias, los conflictos y el engaño surgen cuando la epistemología olvida que cualquier dispositivo empleado es una herramienta creada para dar sentido al mundo y, en cambio, fundamenta la producción de conocimiento en la suposición de que esos instrumentos son atributos fácticos y empíricos del mundo ... Tenemos que inventar herramientas para comprender el mundo, pero es fundamental desarrollar una reflexión crítica que lo acompañe. Y esas herramientas tienen el progreso y el cambio.


Paloma Polo

infoImg 1300 x 868
1200 / Ver imagen
1300 / Ver imagen
1300 / Ver imagen

A Fleeting Moment of Dissidence Becomes Fossilised and Lifeless After The Moment has Passed II, 2015.

Impresiones inkjet sobre papel de algodón,

vidrio enmarcado con serigrafía.

144 x 212 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Gabriela Bettini

Gabriela Bettini (Madrid, 1977) es una artista española de origen argentino.


Sus intereses actuales se enmarcan en investigar las primeras colonizaciones culturales en relación con sus herencias en el presente. A partir de una revisión específica de la historia de la pintura y la representación del paisaje –con la que observa cómo este medio se ha podido emplear para fortalecer las ideas sobre las que se ha construido el pensamiento hegemónico occidental— analiza la combinación de la actual crisis medioambiental con un modelo extractivista que sitúa a las mujeres como paradigma de la violencia múltiple del cambio climático.


Ha trabajado sobre la posmemoria, en un grupo de obras que revisan las narrativas dominantes de la generación que vivió la dictadura argentina y que vinculan directamente el archivo con su propia biografía. En su obra, se ha acercado a experiencias de vida en los márgenes de la Historia que evidencian el vacío resultante del intento de conciliar los recuerdos, las políticas de memoria y las narraciones oficiales. 

Gabriela Bettini ha expuesto en el Centro Cultural Borges y el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex-ESMA), ambos en Buenos Aires; el Centro Cultural Tlatelolco de Ciudad de México; Casa de América Latina de Lisboa; TEA Tenerife Espacio de las Artes y Fondation Argentine de París. Ha obtenido el 1º Premio Obra Abierta - Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura, las Ayudas a la Creación de Artes Visuales de la Comunidad de Madrid y la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma. Otros reconocimientos incluyen el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid, la Muestra de Arte Injuve o la Beca de la Fundación ”la Caixa” y British Council para Estudios de Posgrado en el Reino Unido.


infoImg 1340 x 1063
1200 / Ver imagen
1340 / Ver imagen
1340 / Ver imagen

Musa paradisiaca I, 2018.

Óleo sobre lienzo de lino.

190 x 195 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1340 x 1063
1200 / Ver imagen
1340 / Ver imagen
1340 / Ver imagen

Elaeis guineensis, 2018.

Óleo sobre lienzo de lino.

90 x 140 cm.

Sold

Zoulikha Bouabdellah

Zoulikha Bouabdellah es una artista argelina-francesa. Trabaja y vive en Casablanca, Marruecos. Nació en Moscú, 1977. Bouabdellah creció en Argel y se trasladó a Francia en 1993. Se graduó de la Escuela Nacional Superior de Artes de Cergy-Pontoise en 2002.

Las obras de Zoulikha Bouabdellah -a través de la instalación, el dibujo, el video y la fotografía- tratan con los efectos de la globalización y cuestionan sus representaciones con humor y subversión. En 2003, dirigió el video Bailemos (Dansons) en el que confunde los arquetipos de las culturas francesa y argelina mediante la realización de una danza del vientre al ritmo de la Marsellesa. El mismo año, su trabajo apareció en Experiments in the Arab Avant-garde at the French Cinémathèque (Paris). En 2005, Zoulikha Bouabdellah participó en la exposición seminal Africa Remix en el Centro Georges Pompidou (París), y en 2008 en el festival Paradise Now! Esencial vanguardia del Cine Francés 1890-2008 en la Tate Modern (Londres).

Desde 2007, las obras de Bouabdellah se centran en las letras y palabras de amor, y en particular sobre la situación de la mujer. Usando diferentes medios -papel, acrílico, aluminio, neón, madera- sus obras actúan como consignas y forjan vínculos entre Norte y Sur, la alegría y la tristeza, el placer y el dolor, lo visible y lo no dicho.

Zoulikha ha expuesto en el Mori Art Museum (Tokio), en el Brooklyn Museum (Nueva York), Museum of Modern Art Ludwig Foundation (Viena), el Museum Kunst Palast (Düsseldorf), el Museum of Contemporary African Diaspora Arts (Nueva York), the Mathaf Arab Museum of Modern Art (Doha) y el Moderna Museet (Estocolmo). Ha participado en varias bienales y festivales como la Bienal de Venecia (2007), Encuentros de la Fotografía Africana de Bamako (2003), Bienal de Tesalónica (2011), Turín Triennale (2008) y la Trienal de Aichi (2010). Sus exposiciones más recientes incluyen The Divine Comedy: Heaven, Purgatory and Hell Revisited by Contemporary African Artists at National Museum of African Art (E.E.U.U.), en el Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main (Alemania) y en Savannah College of Art and Design Museum, Savannah (E.E.U.U.); Body Talk: Feminism, Sexuality & Body en WIELS (Bélgica) y en FRAC Lorraine (Francia); 'El Iris de Lucy 'en el MUSAC (España), el Rochechouart Museum (Francia) y en el CAAM Centro Atlantico de Arte Moderno (España).


infoImg 798 x 1200

Theseus Fighting The Minotaur, 2009-2016.

Tinta negra y laca roja sobre papel.

150 x 100 cm.

Solicitar información sobre esta obra
La cuestión del significado y de la comprensión se vuelve cada vez más importante para evitar los malentendidos, abrirse a otros significados y visiones del mundo, luchar contra los arquetipos, los estereotipos, los clichés, las proyecciones y las convenciones, y permitir nuevas combinaciones e interpretaciones, significados y visiones múltiples.



Zoulikha Bouabdellah

infoImg 785 x 1177

Bellerophon Slays The Chime, 2009-2016.

Tinta negra y laca roja sobre papel.

150 x 100 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 785 x 1177

Theseus Slaying a Centaur, 2009-2016.

Tinta negra y laca roja sobre papel.

150 x 100 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Amina Benbouchta

Amina Benbouchta en una artista marroquí, que vive y trabaja en Casablanca, Marruecos y París, Francia. Nació en 1963.


Desde hace varios años, Amina Benbouchta ha desarrollado un cuerpo de trabajo que tiene sus raíces en la exploración de los límites de la pintura, transformando conceptos y observaciones en imagen, escultura e instalación. La diversidad de los medios que explora permite un completo análisis de la compleja estructura social de la vida contemporánea.


Benbouchta nació en Casablanca (Marruecos) en 1963 y vive y trabaja entre París y Casablanca. Después de graduarse en 1986 en Estudios de Oriente Medio y Antropología en la Universidad McGill, Montreal, asistió a diversos talleres de dibujo, litografía y grabado en París. También fue auditora en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París de 1988 a 1990. Sus inquietudes artísticas-culturales la llevaron a crear y dirigir la revista de moda y cultura "Les Alignés", durante los años 90. En 2005, cofundó el Colectivo 212, una organización dedicada a defender y promover el del arte emergente en Marruecos.


Sus ultimas exposiciones incluyen: su participación a la primera Bienal de Rabat (Morocco), el Stedelijk Museum Schiedam, (Netherlands), la aclamada exposición internaconal Have You Seen A Horizon Lately? , comisariada por Mari Ann Yemsi en el MACAAL (Marrakech, Morocco), o Línies Vermelles - La Censura en la Col·lecció Tatxo Benet en el Centre d’Art La Panera (Lleidá, Spain).

Desde 1986 su trabajo ha sido presentado en Marruecos, e internacionalmente en numerosas instituciones y eventos de arte contemporáneo, incluyendo la Bienal de El Cairo (1993), El Instituto Francés de Casablanca (1995), el Museo Nacional de la Mujer y las Artes - Washington DC EE.UU. (1997), Museo Kerava - Finlandia (2003), el Museo de Marrakech (2004), Casa Árabe de Madrid (2008, 2013 y 2017), La Bienal de Alejandría (2009), En 2014, participó en la exposición inaugural del Centro de Arte Contemporáneo de Viena (Austria) y este mismo año su trabajo fue parte de la exposición inaugural del Museo de Mohamed VI de Arte Moderno y Contemporáneo de Rabat.


infoImg 1280 x 852
1200 / Ver imagen
1280 / Ver imagen
1280 / Ver imagen

Daydream, 2015.

Acrílico sobre tela y camas de acero en miniatura.

427 x 640 cm.

Solicitar información sobre esta obra
En las pinturas minimalistas de Amina Benbouchta, los aspectos humanos son solo huellas. Los objetos cercanos al artista (artículos para el hogar, cama, cuadraturas) se colocan en blanco sobre fondos oscuros. La dicotomía de colores se hace eco de la dualidad de los títulos de estos cuadros en tensión. Amina Benbouchta dice que la idea de la metamorfosis está ligada a un momento importante de su vida en el que se revela plenamente como artista a los demás y a sí misma.
infoImg 1317 x 1476
1200 / Ver imagen
1317 / Ver imagen
1317 / Ver imagen

Hope, 2014.

Acrílico sobre lienzo.

160 x 150 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1317 x 1476
1200 / Ver imagen
1317 / Ver imagen
1317 / Ver imagen

Raison / Passion, 2014.

Acrílico sobre lienzo.

150 x 150 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 480 x 640

Sans titre, 2011.

Impresión digital en Hahnemühle Fine Art Baryta.

50 x 40 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 480 x 640

Sans titre, 2012.

Impresión en papel Fine Art Baryta.

50 x 40 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1050 x 1400
1050 / Ver imagen
1050 / Ver imagen
1050 / Ver imagen

Untitled (Black Heart), 2013.

Resina negra.

18 x 14 x 24 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1400 x 1867
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Lost Paradise 01, 2013.

Impresión digital en Hahnemühle Fine Art Baryta.

25 x 20 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Mónica de Miranda

Mónica de Miranda es una artista portuguesa que reside y trabaja en Lisboa, Portugal. Nacida en Oporto, Portugal, en 1976.


Mónica de Miranda es artista e investigadora. Nacida en Oporto (Portugal) de padres angoleños, ella se describe como una artista trabajando en la diáspora. Su trabajo indaga en los ámbitos de la arqueología urbana y las geografías personales. 


Mónica se graduó en una Licenciatura en Artes Visuales en el Camberwell College of Arts, realizó un Máster en Arte y Educación en el Institute of Education London y obtuvo el Doctorado en Artes Visuales en la University of Middlesex. Mónica además es una de las fundadoras del proyecto de residencias para artistas Triangle Network en Portugal, y creadora del proyecto Hangar Center for Artistic Research en Lisboa. En 2016 fue seleccionada para el Premio de Fotografía Novo Banco, y expuso como finalista en el Museu Coleção Berado, Lisboa. También fue nominada ese mismo año al Prix Pictet Photo Award.


Sus exposiciones colectivas más recientes son: Doublethink: Double vision at the Pera Museum in Istanbul (Turqía, 2017); Le jour qui vient at the Galerie des Galeries in París (Francia, 2017); Contemporary African Art and Aesthetics of Translations, en la Bienal de Dakar (Senegal, 2016); Telling Time, en Rencontres de la Bienal Africana de Fotografía de Bamako, décima edición (Mali, 2015); Ilha de São Jorge, en la 14th Bienal de Arquitectura de Venecia (Italia, 2014); Do you hear me, en la Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal, 2008); y United Nations, en Singapore Fringe Festival (Singapur, 2007).


Mónica de Miranda ha participado en múltiples residencias de instituciones: Tate Britain, Instituto Francés, British Council/Iniva. Expone su obra regularmente y con un alcance internacional desde 2004.


Su obra está presente en colecciones públicas como la Fundaçao Calouste Gulbekian, el Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado y el Arquivo Municipal de Lisboa.

infoImg 1400 x 525
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Untitled, 2018.

Impresión inkjet sobre papel de algodón.

60 x 160 cm.

Solicitar información sobre esta obra
La bailarina también habla de este contraste, de cómo posicionamos a la bailarina fuera de su escenario, de su zona de confort y como ella deambula por la ciudad. Esa frágil figura femenina, en cómo se relaciona con un espacio masculino más urbano y todo este contraste que es la ciudad de Luanda, lo viejo y lo nuevo, que a veces no se comunican. La fragilidad en medio de una dura realidad que es la ciudad, que aún se está definiendo... con muchos opuestos, con muchas contradicciones.


Mónica de Miranda

infoImg 1400 x 933
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Tombé, 2017.

Impresión inkjet sobre papel de algodón.

40 x 60 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 1400 x 933
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Assemblé, 2018.

Impresión inkjet sobre papel de algodón.

60 x 90 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Timothy Hyunsoo Lee

Timothy Hyunsoo Lee (1990) es un artista nacido en Seúl, Corea del Sur, que creció en Nueva York, y actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Madrid, España. Estudió neurociencia, dibujo y biología del desarrollo en la Universidad Wesleyan (Middletown, CT, EE. UU.)


Como inmigrante de primera generación en Estados Unidos, Timothy fue desarraigado de Seúl y transportado a Nueva York, donde desarrolló una profunda y larga ansiedad en un intento por reconciliar la identidad heredada con la percibida, tanto racial como culturalmente. Formado en laboratorio con un enfoque en la neurobiología del comportamiento, Timothy aborda su arte a través de un marco analítico, y por tanto su práctica desemboca en conversaciones abstractas sobre las vidas transitorias y los estados efímeros del ser. Como resultado, su trabajo actual abarca muchos temas: política racial, migración, muerte y legado, y sexualidad.


Su práctica se basa en una investigación sobre los rituales que adoptamos para enfrentar los traumas infantiles, y utiliza sus experiencias personales como vectores para una narración universal sobre la pérdida física, espiritual y emocional. Timothy responde a los objetos o entornos de sus obsesiones infantiles y a menudo usa la repetición como un método para gestionar la ansiedad que desarrolló debido al proceso de inmigración- un punto crucial de su vida en el que sintió que perdió una parte de su identidad-. A Timothy se siente atraído por el significado religioso y espiritual del recuento, que ejecuta a través de pinturas, esculturas, instalaciones y textiles, y a través de la acción de crear, lo que él llama "estructuras de salvación" a su paso: un guiño a su educación en una familia convencional. Desde dibujos maníacos y obras basadas en texto, hasta delicadas esculturas y acuarelas, Timothy empapa sus materiales de trabajo con preocupación existencial, y sus obras destacan acciones del pasado, la formación del legado y la salvación de (su) identidad.


Las obras de Timothy se han incluido en importantes exposiciones nacionales e internacionales en museos e instituciones como la Smithsonian Institution (Washington DC, EE. UU.), The Wallach Gallery of Columbia University (Nueva York), The Studio Museum (Nueva York), The National YoungArts Foundation Gallery ( Miami, FL) así como en propuestas individuales en Armory Show 2018 (Nueva York) e India Art Fair (Nueva Delhi) en el 2018. Sus trabajos y su práctica han sido presentados y reseñados ​​en EL MUNDO, Le Quotidien de l'Art, GALERIE MAGAZINE, ARTSY, The Art Newspaper, VOGUE India, AESTHETICA Magazine y Harvard Advocate. Recientemente MTA Arts & Design le seleccionó para crear un proyecto de arte público para su estación Stewart Manor LIRR en Garden City, Nueva York. Sus obras se incluyen en colecciones privadas y públicas de todo el mundo, como Facebook (Seattle, WA, EE. UU.), The MTA Arts & Design (Nueva York), The Cleveland Clinic (Abu Dhabi, EAU), Memorial Sloan-Kettering Cancer Center (Nueva York), The Basu Foundation for the Arts (Calcuta, India) y la Fundación DOP (Caracas, Venezuela).


infoImg 868 x 1200

Mitosis (finding the light) I, 2019.

Acuarela y pan de oro sobre papel.

131 x 95 cm.

Solicitar información sobre esta obra
infoImg 868 x 1200

Mitosis (finding the light) V, 2019.

Acuarela y pan de oro sobre papel.

131 x 95 cm.

Solicitar información sobre esta obra

:mentalKLINIK

:mentalKLINIK es un dúo de artistas de Estambul, basado en Bruselas, compuesto por Yasemin Baydar y Birol Demir que comenzaron su práctica colaborativa en 1998. El dúo tiene un enfoque reaccionario y abierto al proceso, la producción, los roles, la concepción y la presentación. Este vocabulario le da a su trabajo una relación con diferentes referencias y antecedentes. Su trabajo es una mezcla de contradicciones y paradojas, oscuramente humorístico, autónomo y tan preocupado por el efecto total del capitalismo acelerado como por las políticas y dinámicas invisibles que definen nuestra vida cotidiana. La obra de :mentalKLINIK es graciosa y puede parecer alegre y divertida, pero al mismo tiempo, es violenta, abrasiva y muy inquisitiva acerca del mundo en el que vivimos. Evitando temas de identidad, historia y memoria, sus obras van desde instalaciones inmersivas basadas en el tiempo, a esculturas y objetos que frustran la categorización.


En 2020, mentalKLINIK ha presentado su exposición individual titulada Bitter Medicine # 01 en el Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado, comisariada por Carl de Smedt, y la segunda versión de la misma en el Borusan Contemporary Museum de Estambul, Turquía. Algunas de sus exposiciones de renombre internacional incluyen: Tomorrow Now en MUDAM, Luxemburgo en 2007; PuFF en Art Basel 40 (2009), Art Unlimited, Suiza; y exposiciones individuales en museos como Fresh-Cut (2013) en MAK, Viena y Co-operation Would be Highly Appreciated (2015) en el Museo SCAD de Georgia, EE. UU. 

En Junio 2021, Sabrina Amrani presentará la primera exposición individual de :mentalKLINIK en su espacio de Sallaberry (Madrid).


Creamos nuestros propios vocabularios; vocabulario material, vocabulario sonoro… todo tipo de vocabularios sensuales. Construimos nuestra historia asociando estas diversas partes y vocabularios dentro de una red. […] Hoy es imposible hablar de una sola cosa, de un acercamiento lineal a la historia. Después de todas estas fracturas, ahora tenemos identidades fragmentadas. Y lo que estamos haciendo es como arqueología; somos como los arqueólogos de hoy. Así, nuestra narrativa siempre está fragmentada y entretejida.


:mentalKLINIK

infoImg 1200 x 1200
1200 / Ver imagen
1200 / Ver imagen
1200 / Ver imagen

Liar - 1108, 2011.

Vidrio, películas de poliéster de micro capas,

aluminio anodizado, resina de polímero líquido.

111,5 x 111 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Babak Golkar

Babak Golkar es un artista canadiense, que vive y trabaja en Vancouver, Canadá. Nació en Berkeley, Estados Unidos, 1977.


Babak Golkar nació en Berkeley en 1977. Pasó la mayor parte de sus años de formación en Teherán hasta 1996, fecha en la que emigró a Vancouver, donde obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en Artes Visuales del Instituto Emily Carr en 2003 y una Maestría en Bellas Artes por la Universidad de British Columbia en 2006. Desde entonces Golkar ha investigado diversos temas y cultivado su vocabulario conceptual. Además ha desarrollado una activa carrera exhibiendo su obra en todo el mundo. Sus temas de investigación han surgido sobre todo a partir de un interés en el análisis espacial en relación a nuestras condiciones sistémicas contemporáneas que son condiciones humanas abrumadoras. Fusionando y examinando originalmente sistemas y formas, y afirmando una unidad subyacente, así como elementos antagónicos, Golkar se acopla a una investigación crítica hacia los registros culturales y socio-económicos.


Recientemente ha montado una exposición individual en el Museo West Vancouver titulado, “Dialectic of Failure”, en el que una serie de pequeños scream-pots de terracota, una proyección de vídeo, y dos fotografías examinan la naturaleza laboriosa y delicada del compromiso y la negociación entre las dicotomías historicismo y modernidad, arte y artesanía, razonamiento moderno y misticismo tradicional. 


A través de una variedad de formas, incluyendo el dibujo, la impresión, la cerámica, la escultura y la instalación, Babak Golkar ha desarrollado una investigación dialéctica basada en la forma y en las condiciones humanas de la época contemporánea.


Un compromiso reiterado con las estrategias sincréticas ha generado una práctica que reside en una yuxtaposición de tradiciones dispares. Estas estrategias implican la fusión y examinan originalmente sistemas y formas discretas, afirmando una unidad subyacente, así como elementos antagónicos. Por extensión, nuevas formas y significados emergen de la recontextualización.


Una corriente que subyace en la obra de Golkar es la investigación sobre el compromiso y la negociación del individuo frente a la represión y la angustia emocional de las condiciones humanas contemporáneas. Una fuerza impulsora detrás de los últimos proyectos ha sido la afirmación de la perspectiva. Sesgando la afirmada certeza de la perspectiva y cuestionando sus motivos formales para la referencia y la posterior postura ideológica. Explorando la posición física del cuerpo en relación a la forma, los puntos físicos de referencia, la postura y las relaciones espaciales, que posteriormente se hacen eco de una postura histórica, cultural, política de la mente.


En "Impositions", capas de pintura acrílica de titanio de color blanco son aplicadas a la superficie de alfombras persas hechas a mano, convirtiendo los patrones ornamentados en una pintura monocromática. Sin embargo, no importa cuán espesa sean las capas de pintura, los patrones y colores emergen continuamente, transmutando la pintura blanca pura en tonos ligeramente pastel. A través de este proceso físico de estratificación y continuo borrado, un artefacto cultural significativo y valioso, que a menudo se ignora como una pieza de decoración doméstica en un contexto arquitectónico más amplio, pierde su valor por desfiguración. Sin embargo, gana valor a través de otro proceso cultural: el de convertirse en monocromo. Es precisamente esta recontextualización la que está en el centro de Impositions
infoImg 1434 x 2246
1200 / Ver imagen
1434 / Ver imagen
1434 / Ver imagen

Imposition #12, 2016.

Pintura acrílica y alfombra persa hecha a mano.

90 x 40 cm.

Solicitar información sobre esta obra

Waqas Khan


Waqas Khan es un artista paquistaní, que vive y trabaja en Lahore, Pakistán. Nació en Akhtarabad, Pakistán, 1982.


Los dibujos minimalistas de gran formato de Waqas Khan remiten a redes y extensiones celestiales. El punto decisivo de su obra es la contemplación a través del papel.


Khan emplea pequeñas líneas y minúsculos puntos para crear grandes entramados donde se estiran y enredan dos partículas, están esencialmente en sincronía la una con la otra, y lo seguirán estando sin importar cuán alejadas estén. La idea de unión y visibilidad de lo único como una magna totalidad es lo que en parte el artista bebe de su inclinación por la literatura e interés por la vida de los poetas sufíes. La obra de Khan evoca también una forma de escritura que el artista aprecia como un discurso entre él mismo y el espectador, un diálogo organizado en torno a la sintaxis de un monólogo.


Graduado como estampador, Waqas concibe a través de su obra una vista de una entidad e identidad autónomas, siguiendo los mismos modelos de desarrollo de ciertos organismos biológicos. 

Sus exposiciones colectivas más recientes incluyen: Doublethink:doublevision, comisariada por Allistair Hicks, Tania Bahar y Begum Akkoyunlu en Pera Museum de Estambul(Turquía); Decor, comisariada por Tino Sehgal, Dorothea von Hantelmann, y Asad Raza en Fondation Boghossian - Villa Empain, en Bruselas (Bélgica); Between Structure and Matter: Other Minimal Futures, comisariada por Murtaza Vali en Aicon Gallery, Nueva York (EEUU); Dhaka Art Summit comisariada por Diana Campbell-Bethancourt en Dhaka (Bangladesh); y Nada temas, dice ella, comisariada Rosa Martínez en el Museo Nacional de Escultura, Valladolid (España). En 2013 fue finalista del prestigioso Jameel Art Prize en V&A.

Las obras de Waqas Khan forman parte de prestigiosas colecciones públicas como la del British Museum o el Victoria and Albert Museum en Londres (Reino Unido); Deutsche Bank Collection en Frankfurt (Alemania); Kiran Nadar Museum of Art, y Devi Foundation, ambas en Nueva Delhi (India).

Las obras de Waqas son superficies meticulosas hechas con una sola herramienta prevista para que la mirada del espectador baile infinitamente sobre ellas, de la misma forma que nos sentamos en silencio y observamos el mundo que nos rodea, contemplando el cielo amplio repleto de estrellas, o buceando en las profundidades infinitas del océano.
La intención final de su obra es conceder al espectador la oportunidad de disfrutar de la belleza de lo infinito, de la potencia de la conciencia filosófica, y de los efectos visuales producidos en la retina del espectador, dependiendo de la mirada del observador. 
infoImg 1400 x 1020
1200 / Ver imagen
1400 / Ver imagen
1400 / Ver imagen

Alphabets I, 2019.

Tinta sobre papel wasli.

50 x 76 cm.

Solicitar información sobre esta obra

¿Preguntas?

Escríbanos a hello@sabrinaamrani.com y le contestaremos lo antes posible.